Art et design peuvent-ils sauver le monde, peuvent-ils nous sauver ?

© Isabella De Maddalena pour le New York Times : « The Room of Change », par le studio de design Accurat. Le travail est une représentation visuelle de nombreux flux d’informations. Ceux-ci portent sur la population mondiale, le taux de maladies, la consommation d’énergie et les températures moyennes.

Art et design. La fin est proche. La conception / le design peut-elle nous sauver ?

Art et design à Milan : « Notre seule chance de survie est de concevoir notre propre belle extinction »

C’est la conclusion puissante de l’essai sur le catalogue intitulé « La nature brisée : le design, un gage de survie », la XXIIe édition de la Triennale de Milan. La principale exposition de la Triennale, organisée par Paola Antonelli, se déroulera du 1^er mars jusqu’au 1 er septembre 2019. Elle présente plus de 100 projets réalisés au cours des 30 dernières années qui traitent du rapport troublé de l’humanité avec la nature.

Les termes « extinction » et « survie » semblent contradictoires. Mais alors que Mme Antonelli, l’auteur de ces mots, pense que l’humanité ira comme les dinosaures. Elle espère également que notre espèce pourra laisser un héritage intelligent, une sorte de survie.

« Ce qui est brisé ne peut pas revenir en arrière, mais avancer vers quelque chose de nouveau. Donc, ce n’est pas du tout définitif », a déclaré Mme Antonelli dans une interview. « La seule chose que je considère finale est notre propre extinction. Nous avons toutefois le pouvoir de le reporter un peu et de l’améliorer ».

Art et design à Milan : La Triennale de Milan

Cette triennale est la deuxième édition depuis la relance de l’événement en 2016 après une interruption de 20 ans. C’est une collection dense d’objets, d’images, de vidéos et d’installations immersives. Depuis 2018, « Broken Nature » qui contient des œuvres de designers, d’architectes et d’artistes représentant 40 pays, a organisé de nombreux salons et symposiums à New York et à Milan.

On y présente et discute de l’avancement et des projets en cours. Les réunions ont porté sur la présentation des données complexes et sur de nombreux aspects de la vie à l’Anthropocène. Cette dernière est l’ère géologique d’aujourd’hui, marquée par la domination humaine sur l’environnement.

Art et design : Présentation de l’essai « Nature brisée : le design, un gage de survie »

La XXIIe Triennale de Milan, appelée Nature brisée, peut se résumer en le design qui prend en compte la survie de l’homme. Elle met en avant le concept de design restaurateur et étudie l’état des liens qui unissent les humains à leur environnement naturel. Certains liens sont effondrés, d’autres complètement coupés.

Broken Nature souligne la capacité du design à offrir un éclairage puissant sur les questions clefs de notre époque. Pour ce faire, le projet explore l’architecture et conçoit des objets et des concepts à toutes les échelles et de tous les matériaux. Il va au-delà de la pieuse déférence et de l’anxiété non concluante.

La Triennale mettra en lumière l’importance des pratiques créatives dans son étude. Celle-ci concerne des liens de notre espèce avec les systèmes complexes du monde. Elle se penche sur la conception de réparations. L’objet de cette étude est en correlation directe avec l’existence et la persistance humaines. Ses moyens incluent des objets, des concepts et de nouveaux systèmes.

La disparition est-elle proche si non inévitable ?

Même pour ceux qui croient que l’espèce humaine va inévitablement disparaître à un moment donné dans un avenir (proche? Lointain), le design présente les moyens de planifier une fin plus élégante. Cela peut garantir que les prochaines espèces dominantes se souviendront de nous avec un minimum de respect. Elles nous verront comme des êtres dignes et attentionnés, pour ne pas dire intelligents.

Art et design : ce que l’essai Nature brisée postule et ce que l’exposition veut vous faire part

L’exposition et les événements ne portent pas leurs influences savantes à la légère. Ils représentent une opportunité de tester de nouveaux mots à la mode, tels que « conception restauratrice ». Ce dernier ensemble de mots considère le monde naturel comme étant connecté à l’humanité, non séparée de celle-ci. Les conceptions qui peuvent restaurer produisent des systèmes sociaux et des écosystèmes sensibles et efficaces, ainsi que de meilleurs produits.

© Devin Yalkin pour le New York Times : Paola Antonelli, conservatrice de la 22e édition de la Triennale de Milan, à New York. Mme Antonelli est également conservatrice au MoMA.

Les références à des penseurs tels que Donna Haraway, Bruno Latour ou Michael Pollan abondent. Dans le spectacle se trouve un tableau où les visiteurs peuvent consulter des livres de ces auteurs et d’autres auteurs. Les textes muraux denses exigent une lecture concentrée.

« Bien que ce soit cérébral, l’exposition frappe fort », écrit Kimberly Bradley dans un article “The End is Nigh. Can design save us?” pour New York Times. L’impact humain sur la planète est martelé dans la galerie d’ouverture, où deux grands écrans montrent une sélection d’images de la NASA « Images of Change », des images satellites avant et après. Ces images satellites Before/After représentent les effets de la fonte des glaciers, de l’étalement urbain et d’autres développements par le passé, sur les deux décennies.

Art et design : l’œuvre Room of Change (la chambre du changement)

Sur les murs derrière les écrans, les visiteurs peuvent voir une fresque murale d’un peu plus de 30 mètres de bandes et de symboles de couleurs, appelée « Room of Change ». Créée pour la Triennale par Accurat, un studio de conception de données avec des bureaux à Milan et à New York, l’œuvre est une représentation visuelle de nombreux flux d’information. L’info porte sur la population mondiale, le taux de maladie, la consommation d’énergie et les températures moyennes.

Les données représentées commencent en 1000 av. J.-C. pour se heurter à un avenir spéculatif se terminant en 2400, faisant écho à certains des objectifs généraux de l’exposition. Pour Antonelli, le but de ce spectacle est de faire sentir aux visiteurs le sens du long terme.

Ils doivent, selon Mme Antonelli, « avoir le sentiment que la complexité est notre ami, pas notre ennemi ». Elle souhaite, enfin, que les visiteurs voient ce qu’ils peuvent en faire dans leur vie de tous les jours.

© Isabella De Maddalena pour le New York Times : Capsula Mundi par Anna Citelli et Raoul Bretzel. Capsula Mundi consiste en un récipient en matériau biodégradable dans lequel sont placées les cendres ou le corps d’une personne décédée. La capsule est ensuite insérée dans le sol comme une graine et un arbre planté au-dessus.

Art et design : quels autres objets peut-on y voir ?

De nombreuses versions d’objets usuels de la vie courante, moins onéreuses, sont exposées, comme le Lia. Ce dernier est un test de grossesse biodégradable et jetable dans les toilettes. Il est fabriqué en papier plutôt qu’en plastique. On peut aussi voir des exemples intéressants et intelligents de recyclage, notamment le « Mixtape » du designer textile basé à Brooklyn, Scott Bodenner.

Celui-ci tisse des cassettes audio et vidéo jetées dans des tissus d’ameublement chatoyants. On peut voir notamment un nouvel entraîneur, construit à partir de déchets en plastique récupérés dans l’océan, par Adidas et Parley pour the Oceans.

Art et design : Ore Streams par Formafantasma, un studio basé aux Pays-Bas, un projet montrant l’impact des déchets électroniques sur la vie

Sur un grand écran on regarde ore streams, une enquête sur le recyclage des déchets électroniques. Celle-ci a été développée sur une période de trois ans, de 2017 à 2019. Elle a été commandée par NGV Australie et la Triennale de Milan. Ce projet est présenté par Studio Formafantasma, basé aux Pays-Bas. Il traite de la question des déchets électroniques, comme smartphones, ordinateurs et tablettes jetés dont les composants de grande valeur mais parfois toxiques se retrouvent dans des décharges.

© Isabella De Maddalena pour le New York Times : « La nation des plantes », de Stefano Mancuso, neurobiologiste qui étudie l’intelligence des plantes. Il examine comment elles pourraient informer la société humaine et le design.

Le projet utilise une diversité de supports (objets, vidéos et animations) pour aborder le sujet sous de différents angles. L’objectif est, encore une fois, d’offrir une plate-forme de réflexion et d’analyse sur le sens de la production et sur la façon dont le design / la conception peut être un agent important dans le développement d’une utilisation plus responsable des ressources.

L’obsolence programmée est une vraie perversion du design

L’affichage montre des meubles de bureau Formafantasma constitués de composants électroniques réutilisés. Des essais vidéos et d’autres documents résultent des recherches approfondies du studio sur « l’obsolescence programmée ». C’est une idée de design commercial dans laquelle les objets sont conçus pour devenir inutiles avant qu’ils ne s’usent .

Simone Farresin, cofondatrice de Formafantasma avec Andrea Trimarchi, a déclaré dans une interview que limiter artificiellement l’utilisation d’un produit était la « plus grande perversion » du design. Leurs recherches indiquent que d’ici 2080, plus de métal sera jeté, plus de minerai sera supérieur le sol que dessous.

« Le recyclage n’est qu’une solution à court terme », a déclaré M. Farresin. « Il est absolument nécessaire de produire moins ». Selon son affichage, plus de produits électroniques devraient être conçus pour durer avec des composants remplaçables. « Nous parlons souvent de l’impact positif que la conception peut avoir », a déclaré M. Farresin. « Mais nous devons également nous rappeler l’impact terrible que le design a chaque jour ».

Art et design se battent contre l’érosion sur les îles et les zones côtières

L’exposition comprend également une documentation sur les projets de retour à la nature en cours. Des projets de la sorte, il y en a dans le monde entier.

« Maldives/Sandbars » présente des diagrammes et une courte vidéo de M.I.T. Les chercheurs s’efforcent de diriger les vagues de l’océan vers la construction de sédiments et de réduire l’érosion sur les îles et les zones côtières sans avoir à construire de barrages en béton nuisibles à l’écologie.

Art et design se battent pour la biodiversité et le vrai goût

« Seed Journey », représenté par des images, des descriptions et des bocaux en verre contenant des grains, en est un autre. En 2016, le collectif d’art Futurefarmers a importé des graines du nord de l’Europe sur un bateau qui a pris ses racines au Moyen-Orient, rencontrant des agriculteurs, des boulangers et des meuniers en chemin.

© Isabella De Maddalena pour New York Times : Dans « Seed Journey », un projet de 2016 représenté à la Triennale par la designer Amy Franceschini. Elle a importé des semences du nord de l’Europe sur un bateau et les a fondées au Moyen-Orient. Amy Franceschini a rencontré des agriculteurs, des boulangers et des meuniers en cours de route.

Une de ces semences est une variété de seigle finlandais qui n’a pas poussé depuis les années 1880. Neuf graines ont été trouvées et plantées; certains ont poussé et le seigle est maintenant cultivé par les petits agriculteurs norvégiens dans le cadre d’un projet d’agriculture urbaine en cours.

« Nous sommes devenus un point de contact entre les communautés qui cultivent des céréales anciennes », a déclaré Amy Franceschini, fondatrice de Futurefarmers en 1995 et basée à San Francisco.

Face à la diminution de la biodiversité, Futurefarmers redécouvre et partage des grains naturels perdus de longue date. Ces derniers sont souvent plus nutritifs et plus savoureux que ceux qui sont industrialisés. « Le pain cuit au four avec ce seigle a le goût du sirop d’érable, même sans sucre », a déclaré Mme Franceschini.

Art et design se battent contre la résolution des conflits par la violence

D’autres parties de l’exposition explorent également la manière dont les humains peuvent coopérer et faire preuve d’empathie les uns envers les autres et avec les animaux. « Bee’s », de la designer portugaise Susana Soares, est un objet en verre soufflé qui tire parti de l’odorat très développé des abeilles. Quand une personne respire dans le verre, les abeilles à l’intérieur peuvent diagnostiquer une maladie ou surveiller la fertilité à partir de phéromones et d’odeurs.

© Isabella De Maddalena pour le New York Times : « Sanctuaire », une œuvre de Patricia Piccinini décrivant des hybrides humain-bonobo embrassant, exposée à la 22e Triennale de Milan.

La mystérieuse sculpture en silicone “Sanctuary”, de l’Australienne Patricia Piccinini, représente deux hybrides fictifs humains-bonobos qui s’embrassent. Les bonobos, le plus proche parent des primates, résolvent les conflits par des contacts intimes plutôt que par la violence.

Art et design extériorisé par le son et le chant notamment des animaux

Émerveillement et urgence sont implicites dans « The Great Animal Orchestra », une pièce immersive commandée à l’origine par la Fondation Cartier à Paris, où elle a été créée en 2016.

© Isabella De Maddalena pour le New York Times : « Le grand orchestre animalier » de Bernie Krause utilise le son du monde animal pour créer des partitions complexes.

Une audio réalisé par Bernie Krause, compositeur américain et écologiste du paysage sonore âgé de 80 ans, réunit les auditeurs. Krause enregistre des sons naturels dans des régions isolées depuis 1968. Il est notamment associé à des visuels animés créés par le studio londonien United Visual Artists.

Des rayures colorées et des vagues s’enroulent autour de deux murs d’une pièce sombre et recouverte de tapis. Le visuel est plongé dans le son de la faune. En effet, on entend les trompettes des éléphants, par exemple, ou le chant des baleines.

La cacophonie sonore animalière en voie de disparition

Dans un segment de la pièce sonore, un habitat californien a été enregistré à intervalles réguliers entre 2004 et 2015. Dans le premier clip, le public entend une cacophonie d’oiseaux qui chantent. Le dernier, cependant, est presque silencieux. « Plus de 50% des habitats que j’ai enregistrés ont disparu à présent », a déclaré M. Krause. « Et c’est passé en 50 ans. Ce n’est pas du tout une période longue ».

Lors de la première fin de semaine de ce mois-ci, les visiteurs ont rempli la salle. Ils étaient couchés sur des oreillers, écoutant les hurlements de loups ou les féroces grondements d’un jaguar. « Le paysage sonore frappe le public dans les entrailles d’une manière qu’aucun papier scientifique ne peut faire à lui seul », a déclaré M. Krause. « C’est pourquoi cette transformation du matériel scientifique en œuvres d’art revêt une importance capitale. Nous voulons toucher le plus large public possible », a-t-il déclaré.

« Si nous sommes en train de concevoir une extinction élégante et différée, nous en faisons tous partie ». Mme Antonelli prédit que le conflit entre les opposants au changement climatique deviendra plus aigu. Elle fait partie évidemment des personnes qui cherchent des solutions. Le conflit sera poussé, selon elle, par la propagande et les médias sociaux. « Ceux qui trouvent évident qu’une crise profonde existe vont être amenés à faire savoir que la crise est réelle », a-t-elle déclaré.

Le but de Broken Nature

« Broken Nature » souligne que le design a la capacité de changer de comportement. Mais aussi de changer la façon dont nous interagissons avec notre monde, à grande échelle. Il peut analyser, instruire, réparer, protéger et rediriger.

« J’aimerais que les gens soient au courant, outrés, activés », a déclaré Mme Antonelli. « … qu’ils s’inspirent de ce que font les designers et les artistes et repartent avec le désir de faire plus ».

Nature brisée : le design prend en compte la survie humaine. Jusqu’au 1er septembre au musée du design La Triennale de Milan à Milan.

« Argumenter pour une extinction élégante » ! Voici le titre donné à une autre version de cet article. Cette dernière a été imprimée le 24 mars 2019. Vous pouvez la trouver à la page AR19 de l’édition de New York.